La musique et l’astronomie partagent une longue histoire commune. Bien sûr, il y a ces savants férus de musique, et aussi ces musiciens appréciant l’astronomie (Massenet, St Saens,…). On connaît même un musicien devenu astronome, William Herschel (découvreur d’Uranus), et un astronome devenu musicien, Brian May (guitariste de Queen). Toutefois, les points communs dépassent les personnes, et les accords portent même sur la nature du cosmos. Il sera donc ici véritablement question de son. Avez-vous entendu bruisser la Lune ? Et sinon, pourquoi ne pas l’imaginer, et peupler le cosmos de notes astrales ? Dans ce domaine, il y eut de grands succès, tant musicaux que scientifiques, mais aussi des mélodies moins intéressantes. Petit tour d’horizon de ces rencontres (im)probables 

L’harmonie des sphères

Faites glisser votre magazine jusqu'à vous, à travers la table ; touillez dans votre casserole qui frémit ; promenez-vous en botte dans la neige immaculée ; glissez doucement l’archet sur le violon… Entendez-vous ? Le frottement de deux corps l’un contre l’autre produit un son, plus ou moins mélodieux. Cela semble une loi universelle, connue depuis la nuit des temps.

Regardez maintenant vers le haut : là-bas, le ciel, avec ses étoiles et ses planètes, se dévoile. Est-ce différent là-haut ? Bien sûr, me direz-vous ! Il n’y a pas d’air dans l’espace, donc pas de son… Oui, mais cela, c’est la connaissance actuelle. Par le passé, les Grecs imaginaient que les planètes se trouvaient sur des sphères qui glissaient l’une sur l’autre. Forcément, un bruit devait être produit. Le vide étant peu en faveur chez ces philosophes, le son se propageait sans problème, jusqu'à nos oreilles. Pourtant, on n’entend rien… à tout problème, une solution, voire plusieurs : nos vénérables anciens très imaginatifs en avaient à proposer. Par exemple, ils considéraient que nous étions si habitués à ces sons célestes, depuis notre naissance, que nous ne les entendions plus ; seuls parfois les enfants ou les simples d’esprit se rendaient compte de cette musique…

Bien sûr, puisque le ciel était forcément parfait, ce bruit généré par les sphères devait être beau, harmonieux. C’est ainsi que naquit le concept d’harmonie des sphères. On ne se contenta pas alors de vagues idées : chaque objet céleste se vit attribuer une note parfaite. La musique terrestre, en utilisant ces notes, devait tendre vers l’idéale harmonie des cieux. Pour s’en rendre compte aujourd’hui, il ne reste hélas plus beaucoup d’exemples de musique antique. Parmi eux, l’Hymne au Soleil de Mésomède de Crète (2^e siècle). Comme son titre l’indique, il se concentre sur l’astre du jour, mentionnant Lune, Terre, et étoiles en passant, mais pas les autres planètes. Cette tradition astromusicale survécut à l’Antiquité : ainsi, au Moyen-Âge, la base de l’enseignement, le quadrivium, rassemblait arithmétique, géométrie, astronomie et… musique !

Mais comment ça marche exactement ? A priori, l’analogie est complète : la gamme compte sept notes de base et le ciel sept « planètes » selon la définition antique¹. Reste à faire l’association entre les deux – trouver la proportion planétaire qui fait pendant à la proportion musicale. Dans l’Antiquité, on évoque souvent un lien entre la distance de la planète considérée et la hauteur de la note émise, mais parfois, certains auteurs préfèrent lier vitesse de l’objet et fréquence.

On connaît donc diverses mises en parallèle, par exemple : Chez Boèce : ré pour la Lune, do pour Mercure, si pour Vénus, la pour le Soleil, sol pour Mars, fa pour Jupiter, mi pour Saturne. Dans le morceau médiéval Naturalis concordia vocum cum planetis  : ce chant de type grégorien passe en revue toutes les planètes et les sons associés, se concentrant sur la symbolique du chiffre 7 ; il utilise fa pour les étoiles, mi pour Saturne, ré pour Jupiter, do pour Mars, si pour le Soleil, la pour Vénus, sol pour Mercure, fa pour la Lune – et silence pour la Terre.

Tout cela peut certainement mener à de la musique intéressante, mais quid des résultats pour la science astronomique ? En fait, cette recherche d’harmonie donna lieu à une découverte importante, par Johannes Kepler. Ce dernier était fasciné (faut-il écrire obsédé ?) par l’idée d’un cosmos harmonieux. Tout au long de sa carrière, il tenta de trouver les proportions du Système solaire. Il commença par emboîter des polyèdres réguliers pour simuler les écarts entre sphères planétaires, mais ce modèle ne s’avéra pas très bon. Il finit par se tourner vers… la musique ! Kepler envisagea d’abord des notes uniques pour chaque planète, comme dans l’Antiquité, mais cela ne fonctionnait pas très bien. Il imagina alors que la vitesse angulaire d’une planète sur son orbite autour du Soleil, mesurée en secondes d’arc par jour, fournit la fréquence de la note associée à la planète².

Comme dans son modèle, l’orbite est elliptique et parcourue à vitesse variable (maximum au périhélie, minimum à l’aphélie), c’est toute une mélodie qu’il associe à chaque objet ! Bien sûr, le rapport entre les vitesses extrêmes doit être harmonieux, c’est-à-dire correspondre à une belle consonance musicale (comme une tierce, quarte, quinte, ou une octave). Toutefois, cette harmonie n’est jamais perceptible, vu qu’une planète ne peut être à la fois au périhélie et à l’aphélie. Pour créer une véritable harmonie céleste, il faut donc faire « sonner » les planètes entre elles, créant un véritable chant polyphonique. Pour y arriver, Kepler compara les vitesses extrêmes de différentes paires de planètes : après de longs calculs, il réussit à éviter au mieux les dissonances, qui se créent parfois en additionnant différents accords harmonieux, dénichant finalement un ensemble de proportions musicales planétaires (sans répétition, chaque rapport entre extrêmes étant unique). Ces rapports lui permettent alors de reproduire les caractéristiques orbitales (distance moyenne et excentricité) – il pense alors avoir trouvé le « design divin ». Ces recherches sur les gammes planétaires le conduisirent indirectement à la découverte de sa fameuse troisième loi, le rapport harmonieux tant cherché : le carré de la période est proportionnel au cube du demi grand-axe de l’ellipse orbitale… Musique képlérienne et troisième loi sont d’ailleurs toutes deux publiées dans le même livre, Harmonices mundi, en 1619.

Cette théorie d’harmonie cosmique était fort appréciée, mais tous les savants ne la soutenaient pas. Deux exceptions notables sont à souligner. Aristote, tout d’abord : « On doit voir évidemment, d'après tout ce qui précède, que, quand on nous parle d'une harmonie résultant du mouvement de ces corps pareille à l'harmonie de sons qui s'accorderaient entr'eux, on fait une comparaison fort brillante, sans doute, mais très vaine ; ce n'est pas là du tout la vérité. ». De Vinci, ensuite : « …s'il n'y a pas d'air dans les deux, il ne peut y avoir de son; mais s'il y a de l'air, les corps seraient usés depuis longtemps. De plus, les corps polis ne font pas de son en frottant et si les deux ne sont pas polis après des siècles de frottement, c'est qu'ils sont globuleux et rugueux : donc leur contact n'est pas continu. Il y aurait alors un vide dans la nature, ce qu'on ne peut admettre puisque la nature a horreur du vide. Enfin, le milieu tourne plus vite que les pôles : il devrait donc être plus usé et après usure il n'y aurait plus frottement et le son s'arrêterait… »

Ce sont ces opposants qui ont finalement gagné : la réalité de notre Système solaire s’avère moins bruyante qu’espéré, l’espace vide ne propageant pas le son. Toutefois, l’idée était belle, au point de continuer à exister. Diverses compositions intitulées « Harmonie des sphères » existent, tant anciennes (Cristofano Malvezzi , Joseph Strauss…) que plus modernes (Siegfried Karg-Elert , Rued Langgard , Paul Hindemith , Joep Franssens  , Antoni Schonken, Philip Sparke … ou Willie Ruff et John Rodgers qui se concentrent sur l’harmonie képlérienne ).

L’inspiration des sphères

Si les hautes sphères ne font pas de bruit, à proprement parler, elles peuvent néanmoins inspirer les artistes – et notamment les musiciens, d’où une tout autre catégorie de musique céleste… Difficile de tout citer car il y a tout un florilège dans ce domaine. Et en plus d’être longue, la liste est variée, du classique au métal, en passant par la pop… Des inventaires plus ou moins complets circulent³, mais voici quelques exemples, classés par thème.

Conquête spatiale

Un grand classique est la conquête spatiale. Tout comme l’exploration par ballon ou le décollage des avions, l’envoi de satellites et d’astronautes a suscité l’intérêt de la société dans son ensemble, y compris donc les musiciens. On composa ainsi divers tubes, souvent éphémères, lors du lancement de Spoutnik (J. Engler & Four Ekkos …), des vols de Gagarine ou John Glenn (Roy West, Sam Hopkins… mais aussi Liberty Bell de The Gathering), des missions Apollo (album éponyme de Brian Eno, Fly me to the Moon de Sinatra/Nat King Cole …), ou encore des envols de navette américaine (Blast Off Columbia de Roy McCall, Ride Sally Ride de C. Culver…). Même l’envoi du premier satellite commercial a fait un carton avec le bien nommé Telstar (un morceau instrumental des Tornados repris de nombreuses fois depuis). Les problèmes ne sont pas oubliés non plus, notamment dans Space Junk de Devo qui évoque les débris qui encombrent notre espace !

Cela ne s’arrête évidemment pas aux missions réelles car une fois la porte vers l’espace franchie, plus rien ne pouvait arrêter l’imagination ! Les voyages de fiction se sont donc aussi multipliés en musique, par exemple dans 2000 lightyears from home des Rolling Stones, 39 de Queen , trois albums de Brave Saint Saturn, Titan de Hammerfall, Space Truckin’ de Deep Purple, Planet Caravan de Black Sabbath, le fameux The final Countdown d’Europe, mais aussi… Outer Space Girls des Spice Girls . Pour être juste, l’aventure spatiale imaginaire avait même commencé avant, avec Il Mondo della Luna (un opéra-bouffe dont le livret, écrit par Goldoni, a été adapté plusieurs fois, notamment par Galuppi , Haydn, et Paisiello – un thème similaire a été abordé par Janacek pour le Voyage dans la Lune de Mr Broucek ) !

Le champion incontesté dans ce domaine reste cependant le caméléon David Bowie. Son célèbre Space Oddity est le premier véritable succès public de Bowie. Cette chanson est sortie en 1969, juste après l’atterrissage d’Apollo XI, et elle devint si connue qu’il donna son titre au deuxième album de l’artiste sur lequel il figurait (sorti initialement sous le titre « David Bowie »). Il s’agit en fait d’un dialogue entre « Ground Control », l’équivalent du fameux Houston de la NASA, et l’astronaute Major Tom. Les vérifications s’enchaînent alors que le décompte s’égrène, mais un problème surgit une fois en orbite… Bien sûr, certains disent que sous la mission spatiale se cache en fait le drogué qui prend sa dose (version accréditée par Bowie lui-même dans sa chanson Ashes to Ashes) mais certains ont pris le parti spatial – le chanteur allemand Peter Schilling a ainsi sorti Major Tom (coming home) en 1983, où l’astronaute se doute d’un problème durant le décompte puis, reprenant là où Bowie avait laissé Tom, raconte sa chute vers la Terre. Bowie ne s’arrêtera pas là : en 2002, il présente I took a trip on a Gemini spaceship , en 1996 Hallo Spaceboy , et en 1972 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders of Mars , dont le personnage principal n’est pas étranger à un extraterrestre androgyne…

L'astrologie

Autre « classique » : l’astrologie… Il existe de multiples chansons baptisées zodiaque, mais aussi toute une symphonie « astrologique » : Planets , de Gustav Holst.

Commencée juste avant le début de la première guerre mondiale et jouée pour la première fois juste après sa fin, cette suite comporte sept morceaux, une par planète. Leur ordre (Mars, Vénus, Mercure, Jupiter, Saturne, Uranus, Neptune) ne correspond pas à l’éloignement au Soleil ou à des tailles (dé)croissantes, mais aurait été choisi en fonction de critères astrologiques (difficile de dire quoi exactement car plusieurs interprétations circulent).

Les thèmes associés n’ont rien à voir non plus avec les astres réels : Vénus apporte la paix, Mars la Guerre, Saturne représente la vieillesse, Jupiter est gai, Mercure ailé, et Neptune mystique. La partition est en fait écrite pour tenter de partager les émotions associées à ces objets dans la mythologie gréco-romaine et l’astrologie. Pour l’astronomie, on repassera… Par contre, cette symphonie est très populaire. Régulièrement jouée, elle marque les esprits, de son inquiétant début résolument martial à sa fin véritablement céleste avec le chœur et la harpe qui montent vers des aigus dans un decrescendo parfait. Seul problème : il faut un large orchestre pour la jouer… quoiqu’au début, Holst l’ait composée pour deux pianos et un orgue ! Plus amusant : la symphonie a été complétée – en 2000, Colin Matthews ajoute Pluton , tandis qu’en 2006, quatre morceaux liés à des astéroïdes ont été commandés par le philharmonique de Berlin.

Enfin, celui qui ne connaît pas l’œuvre lui trouvera un air de ressemblance avec les musiques de films – comme Star Wars, par exemple. C’est normal : les compositeurs hollywoodiens s’inspirèrent de Holst !

Les observations du ciel

Parmi les morceaux inspirés par le ciel, on trouve aussi les souvenirs d’observations, citons-en deux. Le groupe britannique Iron Maiden propose avec When two worlds collide  une chanson décrivant assez précisément le travail des astronomes⁴ : observation d’un changement de luminosité, vérification des coordonnées, mais au final pas d’erreur de calcul, d’où mise sur pied d’une théorie – ce sont deux « mondes » qui viennent d’entrer en collision… pour donner naissance à une supernova ou un sursaut gamma ? Les rockeurs ne l’ont pas précisé… Le compositeur Mike Oldfield, lui, vous propose dans Saved by a Bell de regarder dans son télescope cette nuit⁵, en espérant que le ciel reste dégagé, pour observer la Voie Lactée, Jupiter, Saturne, diverses galaxies – un programme typique pour un astronome amateur ! – le tout passant très vite dans l’oculaire… Flûte, il a oublié de brancher le moteur d’entraînement de son télescope !

Côté classique, Reginald Smith-Brindle a tenté de faire un portrait de la galaxie d’Andromède dans son M31 tandis que David Bedford relate ses observations du chasseur céleste dans Sword of Orion – ce passionné d’astronomie a d’ailleurs composé de nombreux morceaux teintés de ciel (comme A Dream of the Seven Lost Stars ; Star Clusters, Nebulae and Places in Devon; Some stars above magnitude 2.9; Star’s end).

Les concepts astronomiques

Enfin, il y a les astres et les concepts astronomiques. On trouve ici aussi pléthore de partitions… Quelle que soit leur qualité intrinsèque, nous éviterons ici les nombreuses compositions où l’astronomie n’est qu’un prétexte, une analogie utilisée juste pour un vers – comme pour les Trous noirs d’Amanda Lear et de Muse (analogie du compagnon cannibale) ou de Lindsay Lohan (lieu où disparaît l’amant), l’éclipse totale du cœur de Bonnie Tyler en pleine crise amoureuse ou celle des yeux de Samson devenant aveugle chez Haendel… Oublions l’astronomie citée sans raison évidente (Astronomy de Metalica). Passons aussi rapidement sur la longue tradition musicale liée aux astres divinisés. Vu le surnom de son patron (le roi-Soleil), le compositeur Jean-Baptiste Lully a produit énormément de musique de ce genre : opéra Phaéton, entrée d’Apollon dans Les Amants Magnifiques, soleil levant du Ballet de la Nuit, ballet des planètes autour du souverain-centre de l’Univers dans le Ballet des Muses… Il est ici amusant de noter que le roi lui-même tenait souvent le rôle-titre, comme le montre le film Le Roi Danse pour les deux premiers morceaux cités .

Jetons plutôt une oreille vers des morceaux où il y a vraiment de l’astronomie… et pas la plus simple !

Le meilleur exemple vient… des Monthy Python. Pour leur film Meaning of life, ils résument les principaux faits astronomiques – attention, hard science en vue dans la Galaxy Song  : vitesse orbitale de la Terre, vitesse du Soleil dans la Voie Lactée, description précise de celle-ci (taille, structure, nombre d’étoiles), expansion de l’Univers⁶ – tout y passe dans un couplet savoureux. Une véritable leçon d’astronomie qui sauve carrément le film, plutôt moyen parmi ceux de la bande à l’humour so british ! Eminem, lui, s’est contenté de la distance de la Lune dans Space Bound …

Mais ils ne sont pas les seuls. La chanteuse islandaise Björk passe ainsi en revue les différentes visions du monde, tribales et scientifique, dans une seule chanson : Cosmogony⁷ . Après un début particulier (ou typique de cette chanteuse si particulière ?) évoquant le décompte d’un lancement dans l’espace ou le compte à rebours avant le début cosmique, les différentes théories sont présentées. À vous de choisir entre un univers primordial océanique, en forme d’œuf, de terrain infini ou né dans un « Bang » ! La même artiste vous explique aussi le mécanisme des saisons dans sa chanson Solstice⁸ … une leçon atypique, mais qui pourrait en inspirer plus d’un.

Le groupe canadien Rush a été plus loin encore avec Cygnus X-1 , nom du premier trou noir de masse stellaire reconnu. Tout y passe⁹ : position de l’objet, description de l’accrétion de la matière, problème du destin de cette matière, émission de rayons X… et pourtant, à l’écoute, on n’y pense pas ! Comme quoi, une petite chanson peut faire passer plein d’information !

N’oublions pas les instrumentaux, comme Vangelis et son Pulstar  sur son album albedo 0.39 (celui de la Terre !) – on croirait entendre un véritable pulsar !

Les astronomes

Pour terminer, n’oublions pas les morceaux en relation avec les astronomes eux-mêmes. De nombreux exemples dans ce domaine sont des commandes liées à des anniversaires : 500^e de Copernic (Leo Smit, Henryk Górecki ), 350^e de Kepler (Gunter Bergmann), 100^e de James Jeans (Robert Simpson)…

Il existe cependant un champion dans cette catégorie : Philip Glass. Ce compositeur est considéré comme une figure majeure du classique contemporain, en particulier pour ses opéras. Plusieurs de ses œuvres font références à la science et ce n’est pas étonnant : enfant, Glass s’imaginait devenir scientifique. Les grandes figures aux intuitions géniales l’intéressent particulièrement. Il consacra donc trois opéras à Einstein, Galilée et Kepler. Premier de la série, l’opéra Einstein on the beach (1976) fit du bruit – les spectateurs de cet opus de cinq longues heures de mouvements répétés (Glass est connu pour sa musique minimaliste) criant soit au génie soit au scandale. Ce dynamitage en règle des codes de l’opéra assura la renommée de son auteur… Mais si ces œuvres n’ont pas d’intrigue, de narration classique, l’intérêt est ailleurs – un respect des faits : «I’ve never felt that "reality" was well served in an opera house. And I think this is even more true when the subject of the opera is based on historical events». L’opéra Galilée (2001) est inspiré des lettres entre le savant et sa famille (notamment sa fille Marie Céleste). Il commence par un Galilée âgé se souvenant d’épisodes ayant marqué sa vie, et se termine sur l’enfant écoutant une œuvre de Vincenzo Galilei, son père-pionnier de l’opéra, consacrée à l’harmonie des sphères qui l’intéressait tant…

De son côté, le premier acte de l’opéra Kepler  (2009) se penche sur les questions que se posait le savant – et les discute, tandis que le second se consacre à l’homme, sous ses multiples facettes (astrologie, science,…). Glass écrivit aussi un opéra consacré au Voyage, qui commence par un pseudo-Hawking chantant l’harmonie des sphères avec une voix digitalisée… Il faut dire que Glass avait écrit la musique du documentaire A brief history of time (1991), et que le savant l’avait marqué car, alors qu’il est immobile, cloué dans sa chaise, il faisait pourtant le plus grand des voyages… en esprit ! Après ce prologue particulier, le Voyage alterne l’histoire de Christophe Colomb et celle d’un vaisseau spatial futuriste… L’espace n’est jamais loin ! Mais ce n’est pas tout. Glass consacra aussi un morceau, The Light , à la célèbre mesure de la vitesse de la lumière par Michelson et Morley (la vibration lumineuse devenant des notes dansantes !). Il écrivit Orion en hommage à la constellation, mit également en musique le film IMAX consacré aux rovers martiens Spirit et Opportunity (Roving Mars) et un texte de Brian Greene sur les trous noirs et le temps dans Icarus at the edge of time . Impossible de le rater dans la sphère musico-astronomique ! Mais qui oserait le contredire quand il déclare « I believe there is no single experience in the world which tells us more than the vastness of space, and the innumerable heavenly bodies. And thus the stars form a bond between us all - regardless of country, nationality, regardless even of time. » ainsi que « Scientists and artists are high on my list of courageous men and women who have changed the world in which we live. »

L'appel des Sphères

Il existe enfin une dernière catégorie de musique « céleste », celle utilisant des données astronomiques. Le cas le plus connu concerne les variations périodiques. En effet, la luminosité de certaines étoiles variables est modulée selon une ou plusieurs fréquences tandis que les signaux envoyés par les pulsars, ces cadavres d’étoiles, se répètent régulièrement car ces objets se comportent comme des phares.

Il existe plusieurs façons de transformer les fréquences observées des variations lumineuses en musique. Par exemple, on peut considérer que ces fréquences correspondent directement à des fréquences sonores, à un facteur multiplicatif près, car il faut que la note résultante soit audible par les humains. Si l’objet présente plusieurs fréquences, on se retrouve alors avec quelques « notes », dont l’amplitude relative est fixée à celle enregistrée pour le signal stellaire. Certains utilisent ensuite ces accords comme base pour composer un morceau.B. Ulas utilisa ainsi les pulsations de l'étoile Y Cam . Si l’on aime ce jeu, on peut s’amuser à créer un véritable orchestre « stellaire » en combinant les « notes » de différents objets….

D’un autre côté, si l’amplitude du signal mesuré change avec le temps, on se retrouve directement avec une mélodie céleste, comme pour les pulsations solaires transposées dans le régime audible¹⁰ et utilisées par Stephen Taylor pour Heart of the Sun .

Autre possibilité : considérer que les variations lumineuses périodiques fournissent non les notes mais bien leur rythme – la musique résultante sera donc un tam-tam plus ou moins rapide suivant les cas. La hauteur de la note est ici choisie sans critère astronomique, mais l’amplitude relative des rythmes est de nouveau emprunté au signal céleste. Dans ce cadre, il faut citer le Noir de l’étoile , de Gérard Grisey. Ce morceau est écrit pour 6 percussionnistes disposés à des endroits différents, parmi le public. Le concert commence avec un texte de l’astrophysicien Jean-Pierre Luminet sur les pulsars, et continue avec les 6 ensembles de percussions, jouant tantôt séparément tantôt ensemble. La partition se fait exemplative, faisant entendre tant des rythmes réguliers que les irrégularités (en rythme et en amplitude) typiques de ces phares célestes. Par deux fois, les musiciens s’arrêtent, pour laisser entrer les invités : deux pulsars dont les signaux radios ont été convertis en son (sans changer leur fréquence, cependant). Le premier est le pulsar de Vela, pré-enregistré, tandis que le second pulsar doit, lui, intervenir « en direct » – à Strasbourg et Bruxelles, c’était PSR 0329+54 observé par le radiotélescope de Nançay. Peu de pulsars peuvent en fait convenir pour ce genre d’exercice (il faut un signal stable et fort, avec une fréquence dans la zone audible) mais en plus, ils contraignent souvent fortement l’horaire du concert. Ainsi, PSR 0329+54 n’est observable que durant une demi-heure au-dessus de Nançay, parfois tôt le matin, parfois tard le soir, et seulement à certains moments de l’année – il faut donc bien calculer son coup ! Après l’intervention de ces « invités », les percussionnistes leur répondent, mêlant signaux célestes et musique humaine. Le tout se déroule dans une ambiance feutrée, avec lumières minimales et décor sombre, en accord avec le titre de l’œuvre.

On peut aussi jouer avec des signaux non périodiques – il existe en fait des milliers d’exemples de sonification de données¹¹  . Ainsi, les variations de densité de particules mesurées par Voyager ou celles du nombre d’impacts de grains de poussière par Cassini lors de sa traversée des anneaux ont été convertis en fréquences sonores : plus il y en avait, plus c’était aigu. Ce genre de données, en provenance des sondes Voyager et Galileo, a été utilisé par le Kronos Quartet pour Sun Rings de Terry Riley . De son côté, Robert Schroeder a transposé dans la gamme audible les signaux radio observés en provenance de la galaxie Cygnus A, les insérant dans le morceau éponyme .

À l’observatoire d’Armagh (Irlande du Nord), une installation sonique (Around North     ) créée par le compositeur Robert Jarvis permet de ressentir le mouvement des étoiles autour du Pôle : le son associé à chaque étoile dépend de ses caractéristiques physiques  (température, distance,...) et de sa position dans le ciel au moment où l’on écoute.

Au-delà de ces cas classiques de conversion de données en musique, il faut aussi considérer l’expérimentation. John Cage a ainsi composé son Atlas Eclipticalis , et sa suite Études Australes , en utilisant les cartes célestes d’Antonín Becvár : en plaçant des portées sur diverses régions du ciel choisies au hasard, les étoiles se muèrent en notes, formant souvent des agrégats. L’idée est de donner une dimension spatiale et éternelle à la musique – quasi objective puisque ne nécessitant que peu d’intervention humaine. Particularité : pour ce morceau de piano, les deux mains jouent de manière totalement indépendante, ce qui ne facilite pas la vie des musiciens.

George Crumb propose aussi, dans son Makrocosmos, de jouer avec les formes. Ses partitions présentent en effet des formes originales : spirale pour Spiral Galaxy (vol I de Makrocosmos) ou ensemble de deux cercles pour Twin suns (vol II). Les autres volumes comportent aussi d’autres morceaux aux noms célestes :  Music of starry night (vol III)  ; et alpha centauri, beta cygni, gamma draconis, et delta orionis (vol IV).

Enfin, Stockhausen s’est aussi intéressé aux constellations pour son Sternklang . Cette œuvre (qui n’est pas sa seule à consonance astronomique – cf. Sirius, Licht) doit se jouer dans un parc, avec cinq groupes de musiciens. Chacun des groupes joue ses propres combinaisons musicales, avec de temps à autre une synchronisation entre eux. Il peut y avoir aussi un transfert de musique d’un groupe à l’autre, via un chanteur fredonnant le morceau à transférer tout en se déplaçant de l’un vers l’autre. La partition comporte en outre des « K » indiquant quand jouer les « constellations ». Les écarts verticaux entre étoiles d’une constellation permettent de donner la suite de notes à utiliser, les écarts horizontaux fournissant l’écart temporel (le rythme). Enfin, la brillance des étoiles fournit l’intensité (fort ou faible) du son, tandis que le nom de la constellation sert parfois pour le chant associé.

On le voit, la musique céleste n’est pas unique – tout comme dans les Beaux-Arts, le ciel a inspiré de nombreux artistes, chacun répondant avec sa propre sensibilité. Utilisation de données astronomiques, souvenirs d’observation, réinterprétation des recherches en cours, voire réflexion sur l’harmonie du monde, c’est tout un florilège qui s’exprime ici !

Yaël Nazé
Janvier 2016

Yaël Nazé est astrophysicienne, Chargée de recherches FNRS au département AGO de l'ULg.  Elle est également l'auteure de plusieurs ouvrages et publications de vulgarisation scientifique. Elle s'intéresse notamment aux relations entre astrophysique et arts.